Projet d'établissement
Cadre général du projet d'établissement
Le service public d'enseignement artistique assuré par l'EEA repose sur une conviction forte : les enfants qui se sentent valorisés par des pratiques artistiques, associant concrètement travail soutenu et plaisir, apprennent non seulement à pratiquer des arts mais aussi à se valoriser, à coopérer ensemble, et à réinvestir dans l'activité de leur choix ce qu'ils ont expérimenté au cours de leur formation artistique.
Les enseignements artistiques ont un coût pour la collectivité. Mais il serait paradoxal que la collectivité n'investisse que dans le développement économique, sans armer ses propres enfants pour leur vie future, ce qu'est le mieux à faire l'enseignement artistique dès le plus jeune âge, car il enseigne, notamment en musique, un langage universel, accessible à tous (ou presque) facteur de développement personnel et d'intégration sociale. Les pays anglo-saxons qui prônent par-dessus tout l'efficacité économique, s'attachent à tous les niveaux, de l'école élémentaire à l'université, à favoriser les pratiques artistiques et sportives. C'est qu'avec pragmatisme ils ont compris que la stimulation de l'intelligence repose sur le développement de l'énergie (les pratiques sportives) et de l'inventivité (les pratiques artistiques), deux composantes qui donnent le goût du travail et de la coopération sociale.
Les enseignements artistiques apportent des éléments essentiels au développement de tous les jeunes et à l'accompagnement de leur vie d'adultes :
- ils font sentir dès le plus jeune âge la corrélation entre travail et valorisation de soi,
- ils donnent le goût du perfectionnement, le goût de continuer à apprendre et à progresser,
- ils incitent à découvrir et à inventer des formes à partir d'un matériau de base.
Tout cela forme les jeunes au monde d'aujourd'hui, les prépare puis les accompagne dans ce que sera leur vie.
L'EEA a, par conséquent, adapté en profondeur sa pédagogie, pour répondre à cette analyse de sa fonction au sein de la collectivité. Son projet d'établissement s'articule autour de quatre pôles :
- une éducation artistique donnée à tous les enfants scolarisés du secteur, ces cours assurés par des enseignants de l'EEA, intervenants scolaires, sous la direction du professeur de chaque classe, sont intégrés au projet pédagogique de la classe, ils se déroulent dans toutes les écoles primaires du secteur;
- des parcours personnalisés d'enseignement artistique qui donnent la priorité aux pédagogies de groupe dans les différentes esthétiques : "musiques actuelles", "musiques traditionnelles", "musiques classique et contemporaine". Des cours individuels sont proposés, en plus des cours de formations musicales, à ceux qui veulent pratiquer de façon intensive;
- la formation et l'accompagnement des pratiques amateurs locales;
- la participation à la vie culturelle locale.
Règlement intérieur
Enjeux pédagogiques
Que recherche-t-on en mettant en place des formations artistiques ?
- apprendre dès le plus jeune âge à se valoriser et à s'intégrer, par un travail régulier de ses capacités d'expression;
- développer le goût et la créativité du plus grand nombre.
Ainsi ce que nous voulons transmettre à nos élèves est d'abord la capacité de jouer avec les formes d'expressions, d'apprendre à apprendre, de tracer son propre chemin au travers des œuvres.
Comment parvenons-nous à réaliser ces buts?
La question est trop souvent effleurée et laissée sans autre réponse que des bonnes intentions : "on va développer le goût de nos élèves", "on va stimuler leur curiosité", "on va leur donner le sens de l'effort et de la valorisation qu'il induit", etc. Chacun sait que ce genre de déclaration, au demeurant sympathique, n'est pas forcément suivie des faits.
Il nous faut donc clairement répondre à la question : "par quels moyens pouvons-nous parvenir à développer chez nos élèves l'autonomie, le goût, la curiosité, l'esprit de groupe..."?
Le mécanisme fondamental de l'apprentissage et de l'évolution personnelle est le mimétisme ou l'imprégnation (l'anthropologie le souligne pour notre espère humaine, mais l'éthologie le montre aussi à l'oeuvre chez les animaux) . Les enseignements artistiques sont les plus à mêmes de réaliser les buts dont nous parlons, parce que les langages qu'ils développent sont les plus simples. Chacun peut se les réapproprier. Dès la petite enfance on peut "jouer" avec la voix ou les sons, par exemple, d'un piano, mais aussi avec les couleurs. Par conséquent c'est par l'exemple que nous pouvons développer chez les enfants la créativité, la valorisation de soi, le goût pour le travail et la coopération avec les autres.
Comment les enseignants en musique développent-ils le goût pour les oeuvres belles? en étant eux-mêmes sensibles, et si possible hyper-sensibles, à la beauté, au moment du cours, et en le laissant paraître.
Comment les enseignants en musique peuvent-il développer la curiosité de leurs élèves? en étant, en la présence de leurs élèves, eux-mêmes curieux de nouveaux morceaux, de nouvelles formes. C'est pourquoi l'EEA encourage les élèves à proposer le répertoire sur lequel ils vont travailler, et ce n'est qu'en réponse à ces propositions que les enseignants, à leur tour, font des propositions complémentaires.
Comment vont-ils enseigner à être autonome? en faisant du cours le temps où on se donne des règles et où on joue avec, et naturellement en étant, en tant qu'enseignants, les premiers à jouer avec, et avec leurs élèves.
Comment l'enseignant permet-il à ses élèves d' "apprendre à apprendre"? En apprenant lui-même durant ses cours! Cela peut sembler paradoxal, mais ce ne l'est pas. Si le but, à un moment donné, est précisément de développer cette capacité d'apprendre à apprendre, tout ce que l'enseignant doit faire est de trouver un texte qu'il ne "comprend" pas, ce qui en musique signifie un texte qu'il n'apprécie pas, et durant le ou les cours, il doit parvenir, avec ses élèves, à jouer ce texte de telle sorte qu'il en découvre lui-même, et avec eux, l'intérêt et la beauté. Alors il aura appris en enseignant, mais surtout il aura contribué à "apprendre à apprendre" à ses élèves.
Nous enseignons, c'est à dire nous faisons passer, nous transmettons, ce que nous expérimentons en faisant le cours, ce que nous vivons ici et maintenant, avec nos élèves. Il nous arrive, alors que nous croyons avoir enseigné un morceau d'avoir en fait enseigné l'enthousiasme, la persévérance, la méthode, et c'est le mieux, ou au contraire d'avoir enseigné l'ennui ou l'agacement, et c'est ce que nous ne voulons pas.
Ce mécanisme d'enseignement n'est pas réservé aux enseignements artistiques. Il est tout à fait possible d'appliquer ceci au cours de mathématiques, mais il est évident que la maîtrise des éléments mathématiques est beaucoup plus élitiste que celle des éléments sonores, visuels ou dramatiques : jouer avec les concepts mathématiques est du même ordre que jouer avec les sons, ou avec les formes, c'est simplement réservé à ceux qui ont intégré ce langage.
C'est pourquoi il faut souligner le rôle primordial de l'enseignement artistique et notamment musical, qui, avec les éléments les plus accessibles dès le plus jeune âge : sons, mouvements... est à même de proposer à tous des voies de développement qui n'auront d'autres limites que celles du désir et de la volonté de chacun.
Contexte géographique
Situé en milieu rural, l'Etablissement d'Enseignement Artistique rayonne sur l'ensemble de la communauté de communes par son implication dans les projets pédagogiques des classes des écoles primaires du secteur, c'est à dire pour l'éducation artistique en milieu scolaire; mais, pour ce qui concerne les formations initiales, l'EEA n'intervient que sur un secteur restreint, les élus ayant choisi de soutenir les enseignements dispensés au sein de plusieurs communes par des associations, à Brûlon et Saint Denis d'Orques, à Noyen, à Chantenay - Villedieu.
L'EEA joue donc la carte de la complémentarité en favorisant prioritairement les enseignements qui ne sont pas proposés par les associations musicales locales.
L'EEA adhère au Schéma Départemental des Enseignements Artistiques (SDEA) et fait partie du secteur Vallée de la Sarthe, dont l'établissement ressource est le Conservatoire de Sablé sur Sarthe.
Textes de lois et textes officiels sur les enseignements artistiques
Voici, pour information, quelques textes concernant les enseignements artistiques :
Le ministère de la culture et de la communication diffuse, depuis 1984, à l'intention de l'ensemble des établissements publics d'enseignement initial de la musique, de la danse et de l'art dramatique des textes permettant la mise en place de repères pédagogiques communs.
Comme l'indique leur intitulé, ces textes fournissent des orientations propres à permettre une adaptation en fonction de l'histoire et du contexte particulier des établissements. Ces schémas ont pour finalité essentielle de rendre possibles la convergence et l'harmonisation de démarches pédagogiques s'inscrivant dans le cadre du système public d'enseignement artistique spécialisé, mais aussi associatif.
En effet, si la situation de chaque établissement est particulière, variant notamment en fonction des politiques culturelles mises en œuvre par les collectivités responsables, il appartient à l'État de tracer le cadre pédagogique général d'un enseignement initial de la musique, de la danse et de l'art dramatique lisiblement organisé et dont il garantit la qualité.
Les nouveaux schémas d'orientation pédagogique sont issus de l'observation du réseau des conservatoires classés et de la concertation mise en œuvre par la direction de la musique, de la danse, du théâtre et des spectacles (DMDTS) à l'occasion de l'élaboration des textes issus de la loi du 13 août 2004 relative aux libertés et aux responsabilités locales. Cette loi renforce les missions de service public des établissements d'enseignement public de la musique, de la danse et de l'art dramatique que la "Charte de l'enseignement artistique spécialisé de danse, musique et théâtre" s'était proposé d'énoncer en 2001 : mission d'enseignement proprement dite, mission d'éducation artistique et culturelle en collaboration avec l'Education nationale, mission de développement des pratiques artistiques en amateur.
Les présents schémas réaffirment la place majeure de la formation des amateurs au sein des cursus. Les établissements sont inivités à participer activement à la vie artistique et culturelle de leur aire de rayonnement, à mener des actions de sensibilisation, de diversification et de développement des publics en musique, en danse et en théâtre. Ils assurent la diffusion des productions liées à leurs activités pédagogique et l'accueil des artistes. Ils sont les partenaires des acteurs qui développent les pratiques amateurs et des structures artistiques professionnelles, en particulier les organismes de création et de diffusion.
Hiérarchiser et équilibrer ces différentes missions dans un tout intégré, définir les modalités de sa réalisation concertée, tels sont les objectifs du projet d'établissement qui apparaît ainsi comme une étape essentielle dans la mise en place de la structure d'enseignement.
Les nouveaux schémas confirment les avancées et ouvrent de nouvelles perspectives, en encourageant des initiatives innovantes et en appuyant des expériences adaptées à l'évolution des goûts, des pratiques et des démarches pédagogiques.
Enfin, les nouveaux schémas ne pouvaient ignorer les grands enjeux artistiques, culturels et pédagogiques qui permettent l'émergence des esthétiques d'aujourd'hui.
ENJEUX ARTISTIQUES
En ce début de XXIe siècle, la plupart des formes de culture ont largement diversifié leurs espaces d'expression. Les créateurs s'engagent de plus en plus dans des démarches allant jusqu'à l'effacement des frontières entre les arts, s'éloignant parfois des codes traditionnels ou les redécouvrant pour s'y ressourcer.
Les publics, spectateurs ou praticiens, se trouvent ainsi imprégnés par les formes émergentes : interdisciplinarité, brassages multiples, nouveaux modes de transmission, supports enregistrés et manifestations hors du spectacle traditionnel. Pour autant, les formes traditionnelles du spectacle vivant gardent leur sens et se renouvellent. Les œuvres du passé, en plus de leur qualité intrinsèque, jouent un rôle d'ancrage historique et constituent une source d'inspiration. Elles ont donc toujours et nécessairement leur actualité.
Dans le contexte riche et complexe où évolue le spectacle vivant, l'enjeu d'une formation artistique exigeante nécessite l'acquisition de repères critiques forts, l'éducation du regard et de l'écoute, afin de prévenir les risques de dérive réduisant l'art à un simple objet marchand et sa pratique à des habitudes de consommation passive.
La richesse de l'enseignement initial de la musique, de la danse et de l'art dramatique tient à sa capacité à offrir des parcours variés : l'offre peut aller de la simple sensibilisation aux formations les plus complètes. Les réalisations artistiques y ont un champ d'expérimentation ouvert aux initiatives les plus diverses.
Un schéma d'orientation pédagogique doit, ainsi, se situer à la lisière entre l'innovation qu'il encourage et la nécessité de structuration institutionnelle.
Il s'agit bien pour les établissements, au delà de l'acquisition des techniques indispensables :
- d'encourager l'ouverture d'esprit, la curiosité, le besoin de découverte et la diversité des approches, tout en préservant la spécialisation que nécessite la formation à la pratique d'une discipline,
- d'inscrire dans la durée l'acquisition des compétences,
- de concilier les démarches de création et d'appropriation d'un patrimoine,
- de tracer un chemin dans la réalité multiple de la vie artistique d'aujourd'hui,
- de favoriser les liens entre les arts qui concourent au spectacle vivant.
ENJEUX ÉDUCATIFS, CULTURELS ET SOCIAUX
C'est par leurs activités de pratique et de diffusion que les conservatoires d'enseignement artistique réalisent leur ancrage social et culturel et apparaissent comme acteurs clairement identifiés dans la Cité. Dans leur aire de rayonnement, ils doivent jouer un rôle de centre de ressources en faveur de toutes les pratiques artistiques. En tant qu'ils ont une mission de service public, ils doivent œuvrer à mettre en place des mécanismes garantissant la démocratisation de l'accès à la formation et à la culture.
Ces missions, le conservatoire ne pourra les mener à bien que s'il définit et met en place une politique de partenariat suivi et rigoureux.
Avec le milieu scolaire, lieu et condition de la démocratisation de l'accès à la culture
Ce partenariat stratégique passe par l'aménagement nécessaire du temps de la scolarité et l'extension de ses modalités existantes (CHAM, CHAD, aménagement d'horaires...).
Avec les structures chargées de la pratique en amateur
Pratique qui constitue la finalité de leurs études pour la majorité des élèves ainsi qu'un accomplissement artistique personnel, le cycle d'enseignement professionnel initial ne concernant, quant à lui, qu'une population numériquement limitée et se destinant à une pratique artistique de très haut niveau.
Avec les organismes culturels et sociaux
La pédagogie se nourrit de la vie artistique et culturelle dans toutes ses dimensions et se prolonge par la diffusion en direction de publics diversifiés : dans les musées, les bibliothèques-médiathèques, les scènes de musiques actuelles, les lieux d'animation socio-culturelle, les espaces de programmation des associations de pratique des amateurs, les théâtres de plein air, les crèches, les hôpitaux, les maisons de retraite, les prisons…
L'ensemble de ces partenariats contribue à définir le conservatoire comme lieu de ressources et de conseil, mais aussi comme lieu de projets partagés. Il participe ainsi activement à une politique culturelle de territoire.
ENJEUX PEDAGOGIQUES
L'ouverture des formations à des domaines artistiques beaucoup plus nombreux ainsi qu'à des publics très diversifiés, notamment sur le plan de l'âge, conduit à rechercher de nouveaux modes d'organisation pédagogique.
En premier lieu, il est nécessaire de mettre en œuvre un cadre favorisant une souplesse accrue du parcours de formation :
- par l'élaboration d'outils mis à la disposition des équipes pédagogiques,
- par le traitement personnalisé de certains profils ou parcours,
- par l'encouragement des initiatives prises par les établissements.
Cette évolution répond aux difficultés rencontrées par certains établissements à inscrire l'ensemble des besoins de pratique musicale, chorégraphique ou théâtrale dans des cursus longs et, par là, ressentis comme trop exigeants par certains.
Au cursus complet par cycle, qui conduit à la délivrance de certificats ou de diplômes nationaux, s'ajoute l'offre de parcours plus souples encadrés par un contrat. Celui-ci aidera les élèves à clarifier leur projet dans un cadre adapté.
Ainsi, un nouvel équilibre peut être trouvé, garantissant l'objectif d'acquisition durable de compétences, la prise en compte de la diversité des profils et des motivations et le développement d'une pratique en amateur autonome.
LOI n° 2004-809 du 13 août 2004 relative aux libertés et responsabilités
locales
Les enseignements artistiques du spectacle
Article 101
Texte 1 sur 109
1. - L'article L. 216-2 du code de l'éducation est ainsi rédigé:
«Art. L. 216-2. - Les établissements d'enseignement public de la musIque, de la danse et de l'art dramatique dispensent un enseignement initial, sanctionné par des certificats d'études, qui assure l'éveil, l'initiation, puis l'acquisition des savoirs fondamentaux nécessaires à une pratique artistique autonome. Ils participent également à l'éducation artistique des enfants d'âge scolaire. Ils peuvent proposer un cycle d'enseignement professionnel initial, sanctionné par un diplôme national.
«Ces établissements relèvent de l'initiative et de la responsabilité des collectivités territoriales dans les conditions définies au présent article.
«Les communes et leurs groupements organisent et financent les missions d'enseignement initial et d'éducation artistique de ces établissements. Les autres collectivités territoriales ou les établissements publics qui gèrent de tels établissements, à la date de publication de la loi n° 2004-809 du 13 août 2004 relative aux libertés et responsabilités locales, peuvent poursuivre cette mission; ces établissements sont intégrés dans le schéma départemental.
«Le département adopte, dans un délai de deux ans à compter de l'entrée en vigueur de la loi n° 2004-809 du 13 août 2004 précitée, un schéma départemental de développement des enseignements artistiques dans les domaines de la musique, de la danse et de l'art dramatique. Ce schéma, élaboré en concertation avec les communes concernées, a pour objet de définir les principes d'organisation des enseignements artistiques, en vue d'améliorer l'offre de formation et les conditions d'accès à l'enseignement. Le département fixe au travers de ce schéma les conditions de sa participation au financement des établissements d'enseignement artistique au titre de l'enseignement initial.
«La région organise et finance, dans le cadre du plan visé à l'article L. 214-13, le cycle d'enseignement professionnel initial.
«L'Etat procède au classement des établissements en catégories correspondant à leurs missions et à leur rayonnement régional, départemental, intercommunal ou communal. Il définit les qualifications exigées du personnel enseignant de ces établissements et assure l'évaluation de leurs activités ainsi que de leur fonctionnement pédagogique. Il apporte une aide technique à l'élaboration du plan mentionné à l'article L. 214-13 et du schéma prévu au présent article.
«Des décrets en Conseil d'Etat fixent les conditions d'application du présent article. »
II. - Après l'article L. 216-2 du même code, il est inséré un article L. 216-2-1 ainsi rédigé:
«Art. L. 216-2-1. - L'Etat, au vu des plans prévus à l'article L. 214-13 et des schémas prévus à l'article L. 216-2, transfère par convention aux départements et aux régions les concours financiers qu'il accorde aux communes pour le fonctionnement des écoles nationales de musique, de danse et d'art dramatique et des conservatoires nationaux de région. Ces concours sont déterminés sur la base de la moyenne des dépenses de l'Etat à ce titre dans les départements et les régions sur les trois dernières années. »
LE SCHEMA NATIONAL D’ORIENTATION PEDAGOGIQUE DE MUSIQUE
TITRE I - Les enjeux spécifiques du schéma national d'orientation
pédagogique de musique
TITRE II - L'organisation pédagogique : cursus et évaluation
TITRE I - Les enjeux spécifiques du schéma national d'orientation
pédagogique de musique
Outre les enjeux communs à l'ensemble des schémas nationaux d'orientation pédagogique, le schéma national d'orientation pédagogique de musique souhaite mettre l'accent sur la nécessité de :
- Mettre l'accent sur les pratiques collectives et l’accompagnement
Enfin, poursuivant l’effort déjà entrepris, il est nécessaire de consolider la place réservée aux pratiques collectives afin qu'elles s’affirment comme centrales. Si, à l’évidence, l’exigence d’une formation individualisée demeure, c’est bien, pour la grande majorité des élèves, la musique d’ensemble qui sera le cadre privilégié de leur pratique future. En effet, par les réalisations qu’elles génèrent, les pratiques collectives donnent tout son sens à l’apprentissage.
Parmi ces pratiques, celle de l’accompagnement doit faire l’objet d’une réflexion et d’une mise en oeuvre spécifique. Les accompagnateurs trouveront ainsi une place mieux identifiée dans l’équipe pédagogique. Le concept d’accompagnement lui-même est d’ailleurs une partie essentielle de toute formation et, partant, de l’évaluation.
- Globaliser la formation
Que l’on ait choisi un cursus complet ou un parcours spécifique, il est important d’éviter la segmentation des apprentissages en créant, entre eux, des liens nécessaires. La conception de la formation musicale doit être globale pour être cohérente. Mais la conduite d’une telle démarche n’est pas toujours simple à élaborer. Elle est cependant fondamentale dans la construction des compétences. La formation doit en effet garantir un socle fondateur, nourri d'une diversité d’expériences et de parcours, y compris par l’apport d’autres arts.
- Former à la direction d’ensembles
Dans le même ordre de préoccupation s’inscrit la formation à la direction où beaucoup reste à faire parce que les élèves n’ont été que trop rarement initiés à cette dimension de la pratique dans le début de leurs études. Une approche précoce peut d’ailleurs revêtir, au départ, la forme simple de « jeu de rôle » à l’intérieur d’un ensemble. Cette initiation contribue à la formation de l’oreille, permet d’enrichir la vision globale de la partition, de compléter le travail corporel et d’améliorer la relation de l’instrumentiste ou du chanteur au chef comme à ses partenaires. Elle peut aussi, en ouvrant de nouvelles possibilités de formation et de pratique, susciter une motivation accrue des élèves pour la direction et faire naître des vocations ultérieures, que ce soit en tant qu’amateur ou professionnel.
- Renforcer la place de la culture musicale
L'apport de la culture musicale dans la formation aux pratiques n’est plus à souligner. Il faut
cependant rappeler qu’une attention particulière doit toujours y être portée. Dans les
conservatoires, la culture musicale a vocation à être intimement associée à l’ensemble des
pratiques, qu’elles soient individuelles ou collectives.
Les domaines que recouvrent l’analyse, l’histoire et l’esthétique peuvent faire l’objet de
démarches adaptées dès le 1er cycle, se consolidant et se structurant à partir du 2e cycle.
Dans un domaine aussi foisonnant, des propositions de modules spécifiques pourront
apporter des réponses aux différentes attentes. Ainsi, face aux besoins des musiques de
tradition orale, la mise en place de repères d’écoute est nécessaire.
Dans cette optique, il est important de définir la place et le rôle du professeur de culture
musicale comme une personne ressource pour l’ensemble de l’établissement.
- Favoriser les démarches d’invention
Parmi les enjeux pédagogiques qui apparaissent comme prioritaires aujourd’hui, les
démarches liées à l’invention (écriture, improvisation, arrangement, composition) constituent
un domaine important de la formation des instrumentistes et des chanteurs. Elles ne
devraient pas être différées, mais faire l’objet d’une initiation dès le 1er cycle. L’ouverture
aux dimensions technologiques du traitement du son en fait partie également.
- Renforcer les liens avec les établissements scolaires
Depuis le premier protocole d'accord signé en 1983, entre le ministère de l'éducation
nationale et le ministère chargé de la culture, les liens entre les établissements scolaires et
les conservatoires n'ont cessé de se renforcer pour que les jeunes d'âge scolaire
bénéficient d'une éducation musicale de qualité aussi bien en temps scolaire qu’hors temps
scolaire. Parmi les dispositifs existants, les chartes départementales pour le développement
des pratiques vocales et chorales, les dispositifs « musique à l'école », les classes à
horaires aménagés récemment réformées constituent des moyens précieux pour qu'un
projet éducatif concerté se mette en place.
En contribuant à cet effort d’éducation musicale, il s’agit bien de donner aux jeunes d'âge
scolaire les bases d'une conscience contemporaine du phénomène sonore et musical,
notamment en faisant naître le désir d’écouter et de pratiquer avec une grande disponibilité
d’esprit et en transmettant les notions essentielles pour l’acquisition d'un sens critique.
Compte tenu du rôle grandissant que jouent les musiciens qualifiés, formés à l'université
dans les centres de formation de musiciens intervenants (CFMI) pour intervenir en milieu
scolaire, les « dumistes » constituent le point d’appui principal sur lequel les établissements
peuvent compter pour accomplir cette mission, en raison notamment de leur connaissance
de ce milieu et des modalités du partenariat.
- Renforcer les liens avec les pratiques en amateur
La mission première des établissements étant de former des amateurs, les établissements
veilleront à favoriser les liens avec la pratique en amateur existant à l’intérieur ou à
l’extérieur du conservatoire, afin qu’un grand nombre d’élèves poursuivent leur pratique
artistique au-delà des enseignements du conservatoire.
TITRE II - L'organisation pédagogique : cursus et évaluation
1 - Principes généraux sur les cursus
La formation musicale dans l’enseignement initial repose de manière continue sur une
formation aux pratiques musicales à la fois collectives et individuelles. Ces pratiques, pour
s’accomplir dans toutes leurs dimensions, s’entourent des connaissances culturelles
nécessaires.
Dans ce cadre, les établissements ont l’initiative de la structuration de leur enseignement en
fonction de leurs ressources, de leur histoire et de leur réflexion présente. L’organisation en
cycles repose sur une expérience maintenant confirmée par les établissements. Un cycle
est une période, généralement pluriannuelle, qui permet la réalisation d’un certain nombre
d’objectifs de formation que l’on a préalablement définis ; ces objectifs concourent à
l’acquisition de compétences dont on peut constater la cohérence à l’issue de la période
établie.
Les différents cycles ainsi que leurs modalités d’évaluation sont décrits dans le règlement
pédagogique du conservatoire.
Dans cet esprit, le schéma national d’orientation pédagogique cherche aujourd’hui à mieux
appréhender les réponses aux besoins et aux modes d’acquisition de chaque tranche
d’âge. Certaines disciplines doivent aussi faire l’objet d’approches spécifiques. Ainsi, il est
toujours proposé que chaque cycle marque les grandes étapes de la maturité des élèves.
Les deux premiers cycles constituent un tronc commun centré sur les
pratiques instrumentales et/ou vocales. La direction d'ensembles vocaux et /ou
instrumentaux, l’écriture-composition, la culture musicale, la formation musicale et les
techniques du son font ou peuvent faire l’objet d’une initiation dès le 1er cycle.
Aujourd’hui, un mode d’organisation des études plus souple, concerté entre l’équipe
pédagogique et les élèves concernés, peut aussi voir le jour dès le 2e cycle pour s’adapter
aux acquis, aux profils et aux projets de certains élèves.
On distinguera donc les cursus à visée diplômante qui valident l’acquisition d’un ensemble
de compétences précises des parcours personnalisés.
A partir du 2e cycle, toute formation peut être accomplie :
- en suivant une filière complète dans un temps limité (cursus en cycle),
- ou sous la forme de parcours personnalisés sur contrat permettant d’agencer les modules
et leur durée avec un encadrement adapté.
2 - Orientations et modalités de chaque cycle
Dès le plus jeune âge, l’enfant écoute et produit des sons. En relation avec les autres sens
et avec le mouvement, l’oreille lui permet de se situer dans un espace, de construire sa
relation aux autres, d’élaborer des connaissances, d’agir.
En conseillant d'organiser une offre d'éveil aux alentours de cinq ans, le nouveau schéma
national d'orientation pédagogique de musique ne souhaite cependant pas exclure les très
jeunes enfants. La sensibilisation à la musique de ce jeune public est recommandée dès les
premières étapes de la socialisation : dans le milieu familial, à la crèche et l'école
maternelle. La chanson, l’écoute, la manipulation des sons font partie de l’éveil du toutpetit.
Cette sensibilisation entre dans une globalité éducative. Le conservatoire peut donc
proposer un « jardin musical » avant même le début de l’éveil au sein de son établissement
ou en partenariat avec les lieux de vie des jeunes enfants.
- Eveil
L'éveil, aux alentours de 5 ans, est destiné à développer leur sensibilité. Privilégiant
l'activité sensorielle, corporelle et vocale, il est souhaitable que, sous forme d’ateliers
interdisciplinaires, l’éveil associe d'autres formes d'expression artistique : musique, danse,
théâtre, arts plastiques...
Aux alentours de cinq ans, l’enfant peut aborder des pratiques plus élaborées que dans les
périodes précédentes. Elles sont valorisées conjointement à l'école maternelle puis
élémentaire. Lui est ainsi offerte l'opportunité d'entrer dans la globalité du phénomène
artistique. Cette démarche peut donc être proposée dans le cadre scolaire, sous la
responsabilité des professeurs des écoles et avec l’aide de musiciens intervenants
qualifiés.
L’objectif principal de la phase d'éveil est d'affiner les perceptions et de développer
des aptitudes, par des démarches où le corps en mouvement est mis en relation avec le
monde sonore et avec l'espace.
Tout au long de cette période d'éveil, la pratique de groupe sera largement privilégiée, et la
notion de jeu omniprésente.
L'éveil permet de :
- développer la curiosité, l’expression et le domaine de l’imaginaire de l’enfant,
- former l’oreille le plus tôt possible,
- mettre en place des repères (par la perception, le vocabulaire…) sur les phénomènes
acoustiques et dans le monde des sons,
- favoriser les conditions qui permettent d’aborder par la suite des activités musicales plus
spécialisées, vocales ou instrumentales.
- Initiation
Vers sept ans, la phase dite d'initiation facilite notamment un choix de pratique
instrumentale ou vocale.
Environ 2h hebdomadaires et, si possible, en deux moments distincts, pendant un an
(intégration possible en 1° cycle, dans une classe instrumentale ou une filière voix, au cours
de l’année, suivant l’évolution de l’enfant et les possibilités du conservatoire).
Objectifs de cette période :
- faire connaissance avec les différentes esthétiques musicales (écouter, aller au concert,
aux auditions) ;
- faire connaissance avec l’établissement et l'ensemble de son offre;
- se situer dans un contexte collectif ;
- s'approprier des approches globales et inventives (la voix, le corps, les instruments)
sans obligation de résultat technique immédiat,
- se présenter en public,
- commencer à construire ses perceptions, un vocabulaire musical...
Ce moment peut être pris en charge, mais pas obligatoirement, dans un dispositif de
« classe unique » : plusieurs enseignants se réunissent dans un temps et un lieu unique
pour aborder ensemble, dans un projet pédagogique global, les domaines de la pratique et
des connaissances qui y sont associées. Ainsi, les enfants découvrent de manière concrète
les pratiques qui leur sont accessibles, notamment le chant et les instruments, et sont
préparés à aborder le 1° cycle.
1er cycle : Phase d’engagement dans une pratique instrumentale ou vocale
L’horaire hebdomadaire s’établit dans une fourchette comprise entre 2h et 4h et sur une
dure moyenne de quatre ans (plus ou moins un an) pour tenir compte de la maturité et des
rythmes différents d'acquisition.
Pour le 1er cycle, le nouveau schéma d’orientation pédagogique s’inscrit dans la continuité
du précédent schéma. Rappelons que les contenus et démarches de ce cursus privilégient
l'approche sensorielle et corporelle, le développement de la curiosité, la construction de la
motivation. Ils mettent en oeuvre les bases de la pratique individuelle et collective,
accompagnées des repères d'écoute, du vocabulaire et des connaissances adaptés à l’âge
des élèves. La place faite à la globalité des démarches et à l’évaluation continue est
essentielle. La poursuite de ces objectifs convient particulièrement à l’accueil des enfants
débutants.
Recommandations :
La pratique instrumentale ou vocale est dès le début collective et s’adjoint peu à peu la
pratique individuelle en fonction des acquisitions nécessaires à la réalisation musicale et à
la progression de l'élève. La priorité est donnée aux démarches fondées sur l'oralité.
Un dispositif de « classe unique » peut également être mis en place.
On sera attentif à :
- un bon équilibre entre l’oral et l’écrit, entre l’improvisation, l'imitation, la mémorisation et
la lecture,
- une approche de la lecture et de l’écriture valorisée et rénovée,
- une démarche forte vis-à-vis de la création et des répertoires contemporains adaptés et
de toutes esthétiques,
- l’écoute d'oeuvres en concert ou dans un contexte de spectacle vivant,
- la mise en place de filières de formation au chant pour les enfants, la voix pouvant être
l’instrument choisi comme domaine d’approfondissement.
Chaque fois que les conditions seront réunies, il conviendra de mettre en place un
partenariat avec les écoles primaires en vue d’une éducation artistique concertée en
faveur des enfants (cf. les nouvelles possibilités offertes par l’arrêté et la circulaire CHAM
du 30 juillet et 2 août 2002).
Pour permettre des acquisitions durables en vue d’une pratique autonome, le 1er cycle trouve un premier aboutissement au cours ou à la fin du 2e cycle. Il constitue cependant, une première expérience cohérente d’une pratique musicale personnelle. Dans le cas d’un début d’études musicales au moment de l’adolescence ou plus tard à l’âge adulte, ces mêmes objectifs doivent être envisagés dans des dispositifs adaptés à la maturité acquise, au projet de l’élève et au domaine de formation envisagé. La conception des objectifs, des démarches, de la durée du cycle et des modalités de l’évaluation continue devient spécifique.
A partir du 2e cycle, la proposition d’un cursus complet peut coexister avec celle d’un
parcours plus souple en modules et sur contrat. Cette nouvelle modalité devrait remplacer
ce qui est aujourd’hui classé dans l'appellation « hors cursus ». En effet, ouvrir la possibilité
de choix dans l’offre de formation est souvent facteur de motivation à un âge où les
sollicitations sont nombreuses. Mais un encadrement est également nécessaire pour aider à
formuler les désirs et les mettre en forme dans une proposition cohérente. Ce parcours
n'est pas diplômant sauf si la capitalisation d’un certain nombre de modules répond au
cahier des charges de la fin du 2e cycle.
En effet, valider la fin du 2e cycle nécessite qu’un ensemble de compétences précises aient
été acquises. La mise en place d’un brevet de fin de 2e cycle a été souhaitée pour
marquer une étape importante du cursus. Celle-ci correspond à l’acquisition d’une
formation de base qui permet à l’élève de tenir sa place dans une pratique musicale de
manière relativement autonome. autonome et vise à :
- S'approprier un langage musical avec les repères culturels qui y sont attachés,
- Avoir acquis les bases de sa pratique permettant de se mesurer à un certain niveau de
performance.
La confrontation de l'élève, tout au long du cycle, à des situations musicales diversifiées,
liées à son projet et à sa pratique musicale et instrumentale est privilégiée.
Elle fait l'objet de comptes-rendus d'évaluation.
Ceci est vrai également pour la formation musicale générale, qui inclut une ouverture
culturelle, historique, sociologique, liée au répertoire occidental et aux musiques du monde,
dans toutes les esthétiques, avec de possibles références à d'autres domaines artistiques
(littérature, peinture, danse, cinéma, théâtre, etc…), l'aptitude à entendre et à commenter
ces répertoires avec des outils d'évaluation sur leurs interprétations.
Concernant les pratiques d'ensembles, l'élève doit pouvoir valider un cursus, sur la
durée du cycle, qui lui aura permis de se confronter à au moins deux situations différentes
parmi celles qu'il sera susceptible de rencontrer dans le cadre de sa pratique (2 types de
formation, des esthétiques diverses dont une part de création contemporaine) :
Certains élèves ne souhaitent pas poursuivre un cursus complet au delà. Ils pourront
cependant bénéficier de modules mis en place par le conservatoire (voir ci-dessous,
« formation continuée ou complémentaire »).
A l’issue du 2e cycle, trois possibilités peuvent être offertes : un 3e cycle de formation à la
pratique en amateur, une « formation continuée ou complémentaire » et un cycle
d'enseignement professionnel initial.
Le 3e cycle de formation à la pratique en amateur constitue un des deux
aboutissements des cursus diplômants proposés par les conservatoires, conclu par un
certificat d'études musicales (CEM) prévu par l’article L. 216-2 du code de l’éducation.
Il poursuit trois objectifs principaux :
- apprendre à conduire de manière autonome un projet artistique personnel riche, voire
ambitieux ;
- s’intégrer dans le champ de la pratique musicale en amateur et à y prendre des
responsabilités le cas échéant ;
-s’orienter pour aller au-devant de nouvelles pratiques (autre esthétique; démarche
d’invention,…).
Il permet de répondre à des demandes et à des besoins tels que :
- accroître et approfondir ses compétences dans le prolongement des deux précédents
cycles et former des amateurs de haut niveau,
- s’engager dans une voie complémentaire au précédent parcours en se spécialisant dans
un domaine particulier tel que la direction, l'écriture, la composition, une esthétique
spécifique,...
- enrichir une approche personnelle de pratique qui s’est effectuée en dehors de cursus
institutionnels ou dans un temps plus ancien.
Le cursus, composé d'un ensemble cohérent de modules suivant un cahier des charges
défini en concertation entre l’établissement et l’élève, prend la forme d’un « parcours
personnalisé de formation ». Il saura s’adapter aux besoins de l’élève à ce stade de son
développement.
Une « formation continuée ou complémentaire », à positionner, selon les acquis,
après le 2e ou le 3e cycle, peut être offerte sur la base d’un « parcours personnalisé de
formation » faisant l’objet d’une évaluation spécifique. Cette orientation s’adresse aux
personnes qui ne souhaitent pas suivre un cycle complet, à celles qui n’ont pas tous les
acquis nécessaires pour le suivre ou qui souhaitent se perfectionner dans un domaine
particulier.
Il concerne essentiellement des adolescents, jeunes adultes ou adultes qui ont des objectifs
d'approfondissement nécessitant un plan sur une ou plusieurs années.
Des passerelles sont possibles entre le 3e cycle de formation à la pratique en amateur, la
formation continuée ou complémentaire et le CEPI, après avis de l'équipe pédagogique.
Enfin, le cycle d’enseignement professionnel initial (CEPI) et le diplôme national
d’orientation professionnelle (DNOP) qui le conclut, font l’objet d’un traitement spécifique
sous forme d'un décret n°2005-675 du 16 juin 2005 et d’un arrêté du 23 février 2006).
L'admission dans ce cycle est décidée par un jury après étude du dossier personnel du
candidat et réussite à un examen d'entrée.
Il permet d'acquérir les connaissances et compétences d'un niveau suffisant pour prétendre
à une poursuite d'études au niveau de l'enseignement supérieur menant à un métier
relevant de ces domaines, d'où l'obligation prévue par la loi de l'inscription des CEPI dans
les PRDF.
Il fait l'objet de développement dans une fiche spécifique jointe au schéma.
3 - L’évaluation
L’évaluation participe du principe même de formation. Tout en donnant aux enseignants
des indications précises sur les résultats de l’enseignement dispensé, permettant de
modifier, si nécessaire, les démarches et les contenus, elle donne à l’élève les outils d’une
prise de recul sur sa pratique, pour qu’il mesure ses acquis et parvienne, au fil de son
parcours, à un certain niveau d’autonomie. Elle donne également des points de repère et
des informations, suscitant le dialogue avec les familles.
Elle conjugue plusieurs fonctions :
- définir et illustrer les objectifs fixés par l’équipe pédagogique de l’établissement dans le
cadre des orientations induites dans le présent schéma ;
- situer l’élève dans sa progression personnelle au regard de ces objectifs ; vérifier
l’assimilation des acquisitions ;
- adapter l’organisation du travail pédagogique en fonction de l’élève ;
- guider l’élève dans son orientation ; l’aider à définir ou redéfinir son projet personnel et à
en mesurer la motivation, par rapport aux différents cursus ou filières proposés ;
- entretenir un dialogue suivi avec les élèves et leurs parents, afin d’expliciter les décisions
et préconisations prises par l'établissement dans l’intérêt de l'élève ;
- valider la formation par des certifications.
Les modalités de l’évaluation sont conçues, comme la formation, pour en assurer le
caractère global. Ainsi, l’évaluation croise l’ensemble des disciplines suivies. Formalisée par
la tenue d’un dossier de l’élève, elle comporte une évaluation continue conduite par l’équipe
pédagogique, ainsi que des examens de fin de cycle.
Mise en oeuvre par l’ensemble des professeurs de l’élève, l’évaluation continue concerne les
différents cursus, filières ou modules proposés par l’établissement. Elle peut revêtir des
formes diverses, y compris des mises en situation publique, le suivi d’ateliers, la
capitalisation de modules… Sa prise en compte est impérative au moment de l’évaluation
terminale et de manière majoritaire en 1er cycle.
Le dossier de suivi des études est le support permettant à chaque enseignant d’inscrire
appréciations et recommandations sur l’élève, repères et informations sur son parcours. Il
sert de moyen de communication entre les enseignants, avec les parents et les élèves, au
besoin avec les équipes pédagogiques d’autres écoles lors d’examens organisés en
commun ou lors d’un changement d’établissement de l’élève. A partir du 2e cycle et pour
les élèves du 3e cycle de formation à la pratique en amateur ou du cycle unique, ce dossier
peut donner lieu à l’établissement d’un « parcours personnalisé de formation », notamment
lorsque le cursus suivi est adapté à la situation particulière de l’élève.
Ce dossier dont l’existence s’impose désormais, est consulté par les évaluateurs lors de
chaque échéance de fin de cycle, ainsi qu’à l’entrée dans le cycle d’enseignement
professionnel initial.
La validation de chaque fin de cycle s’appuie sur les éléments suivants :
- pour les disciplines instrumentales ou vocales, des épreuves publiques, en soliste, en
petite et grande formation ; pour les autres disciplines, des épreuves correspondant à la
discipline principale ;
- des épreuves de formation et de culture musicales ;
- le bilan de l’examen terminal et de l’évaluation continue, présentée dans le dossier de
l’élève.
Toutefois, ce processus de validation peut s’adapter selon les étapes du cursus et les
spécificités des filières mises en place dans l’établissement (pratiques d’ateliers, parcours
personnalisé…).
a) - A la fin du 1er cycle, la direction de l’établissement peut, sur la base des conclusions de
l’équipe pédagogique, de la consultation du dossier de l’élève et après avis du jury :
- valider la formation reçue en 1er cycle et le passage de l’élève en 2e cycle ;
- proposer un renforcement des acquis et le maintien en 1er cycle dans la limite du nombre
d’années autorisé ;
- proposer une réorientation vers une autre filière.
b) - A la fin du 2e cycle, la direction de l’établissement peut, sur la base des conclusions de
l’équipe pédagogique, de la consultation du dossier de l’élève et après avis du jury :
- décerner un brevet de fin de 2e cycle et valider le passage de l’élève en 3e cycle de
formation à la pratique en amateur ;
- proposer un renforcement des acquis et le maintien en 2e cycle dans la limite du nombre
d’années autorisé ;
- dans le cas d’un parcours personnalisé, décerner une attestation validant le ou les
enseignements suivis; et dans tous les cas,
- émettre un avis sur l’orientation de l’élève.
c) – Le troisième cycle de formation à la pratique en amateurs est conclu par le certificat
d’études musicales (CEM)
Ce certificat est délivré par l’établissement après obtention de l’ensemble des modules
prévus dans le « parcours personnalisé de formation » établi avec l’élève. Les compétences
de pratique et de culture figurant dans ce cursus sont définies en fonction du projet.
L’établissement attribue le CEM sur la base du bilan des évaluations continues, du dossier
de l’élève, du projet en tutorat et des diverses évaluations terminales de modules.
Les modalités de l’évaluation de ces cycles :
- L’évaluation continue est placée sous la responsabilité du directeur d’établissement et
des enseignants.
- Les évaluations terminales, placées sous la responsabilité du directeur de l'établissement,
associent des enseignants spécialistes et généralistes et peuvent associer aussi des professionnels extérieurs invités. Le règlement intérieur prévoit la composition des jurys suivant les différents cycles et les différents cursus.
d) - En ce qui concerne le cycle d’enseignement professionnel initial et le diplôme national
d'orientation professionnelle (DNOP)
Les modalités de son évaluation sont définies par un décret et un arrêté spécifique,
complétés par une fiche spécifique (fiche A4 – Cycle d'enseignement professionnel initial)
jointe au schéma national d'orientation pédagogique (à paraître).